2011 - The potential of painting - by Christine Vuegen

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Christine Vuegen

HET POTENTIEEL VAN DE SCHILDERKUNST

Het belang van de broeitijd is niet te onderschatten. Na een zoektocht in het atelier kwam Stéphanie Leblon in 2006 voor het eerst naar buiten met figuratieve schilderijen. Ze komt meer en meer op dreef, op een heel persoonlijke manier. Doorgaans doet ze niet meer dan hoofden of handen schilderen, meestal tegen een achtergrond die zich ophoudt tussen een leegte en een suggestie van ruimte, een onbestemde plaats. Voeg daar een onwezenlijke situatie aan toe die toch onmiddellijk herkenbaar is en herkenbare emoties oproept, een kleurgebruik waar ondanks de lichtheid donkere onderstromen doorwoelen en een sensualiteit die tegelijkertijd nuchter afstand houdt, en je krijgt een psychologische lading die niemand onberoerd laat. Het werk sluipt in de richting van surrealisme, de vreemdheid en raadselachtigheid die je tevens terugvindt in schilderijen van oude meesters omdat je de symboliek niet kent en niet weet wie de geportretteerde is. Toch lossen ze iets over de conditie van de mens.

 

Iets gelijkaardigs brengt ‘in-between’ teweeg, een gezicht met een masker tegen een waterig groene achtergrond. Het coloriet is nooit extravagant, maar intuïtief worden er bizarre tonen aan toegevoegd. Dit lijkt zo’n ziekenhuisgroen dat rust moet geven en een wrang gevoel veroorzaakt. Het gezicht blijkt afkomstig te zijn van een krantenfoto: een voetballer met een omhooggeschoven masker dat waarschijnlijk zijn gebroken neus moest beschermen. Het is een onthutsend schilderij dat in een reeks is geschoven die vertrok van het paranormale. Hoe kwam ze bij het paranormale terecht? “Via een televisieprogramma over een behekst huis met de bewoners, een medium, een scepticus en een onderzoeker met meettoestellen”, vertelt ze. “Week na weel kwamen ze samen. Ik vond de onderzoeker de boeiendste figuur omdat hij iets wou vastpakken wat per definitie niet te bewijzen is. Ik heb dan figuren geschilderd met de ogen dicht en met grafieken of instrumenten die van alles willen bewijzen, maar het valt niet vast te grijpen. Het is net alsof je het sublieme moment in een schilderij wil bewijzen, het moment dat het juist zit. Dat is er of dat is er niet. De schilderkunst is ook één groot mysterie.”

 

Paranormale verschijnselen zijn een passende metafoor voor de schilderkunst. Ze stijgt uit boven verf en doek en legt contact met andere werelden, wat bijna iets bovennatuurlijks heeft. “Zo zie ik het inderdaad”, beaamt de kunstenares. “Als schilder creëer je een complete omgeving om een schilderij te maken dat zichzelf overstijgt, een goed schilderij dat volledig klopt qua thema, inhoud en verschijningsvorm. Het paranormale was voor mij een aanleiding, een vertrekpunt. Mijn werk gaat meer over het zoeken, het tasten in het duister, het zoeken als mens en de twijfels. Als ik mensen schilder, gaat het om de mentale activiteit. Ze zijn aan het denken of iets aan het doormaken. Eigenlijk zijn het altijd zoekers.” De hand kan evenzogoed een denkinstrument zin. Je voelt de concentratie in schilderijen van handen. Ze zijn losgekoppeld van het lichaam en voeren uiterst precies onbestemde handelingen uit. Zoekend naar de meest nauwkeurige formulering zegt ze:” Het mentale proces is belangrijk voor mij, maar het fysieke proces van het schilderen is even belangrijk. Zowel mijn geest als mijn hand moeten in de juiste concentratie zitten.”

 

Het rituele karakter is in een groot deel van het werk terug te vinden, of het beeld nu afkomstig is van carnaval of handen van en chirurg. Per reeks worden nieuwe gedachtenpistes aangeboord. Aldus ontstaan clusters van schilderijen die door elkaar kunnen lopen en tegelijkertijd op zichzelf staan. De meest recente reeks cirkelt rond rituelen. Het kan een studentendoop zijn of een vrijmetselaarsritueel. De blinddoek, de opgerolde broekspijp, het open hemd en de strop rond de nek verwijzen op de initiatie van een vrijmetselaar. De man staat klaar om toe te treden, terwijl hij met de benen vast zit in een structuur van touwen. Het schilderij heet ’De behandelbare werkelijkheid’ , hoewel het een behoorlijk onbehandelbare situatie lijkt. Is dat geen pessimistische visie? “Helemaal niet”, lacht Stéphanie Leblon. “ Het is gewoon een realistische visie. Mensen maken structuren waarin je van het ene vakje naar het andere kunt gaan. Je stapt verder, maar toch blijf je vastzitten aan je eigen lichaam, aan wie je bent. Je blijft verweven met je eigen verleden. Dat is niet negatief, verre van. Het is juist boeiend om jezelf telkens te ontdekken in een nieuwe situatie en van daaruit weer verder te gaan. Mijn werken ontstaan wel uit reeksen, maar het is geen grote ommezwaai. Telkens ontwikkel ik voor mezelf een gedachtegang die helemaal past bij wat ik wil overbrengen en bij wie ik ben. In mijn atelier ben ik dan weer aan het spelen. Ik laat de dingen ook gewoon gebeuren. Het is geen dwangmatige reeks. Ik plaats er graag iets bij dat de boot weer een beetje doet kantelen. “

 

Zo heeft ze ‘Plastic Boy’, een heel recent schilderij, geparkeerd bij de rituelen. Het is een jongen met plastic zakken rond het hoofd, net voor een gipsafgietsel wordt gemaakt. Niet dat je er meteen plastic zakken in herkent. De pose en het hoofddeksel doen denken aan oude portretten of ‘Het melkmeisje’ van Vermeer. Waarop de kunstenares verklapt dat ze in de nabij toekomst naar Parijs wil gaan om de portretkunst vanaf Giotto te bestuderen, een studie waarmee ze bewuster de band met de kunstgeschiedenis wil aanhalen en verwerken. In de hedendaagse Kunst heeft ze een top drie van kunstenaars. Ze kijkt steeds terug naar Martin Kippenberger, René Daniels en Philip Guston, om zich te laven aan de vrijheid die zij zich permitteren in de schilderkunst. Als je haar werk moet plaatsen in de Belgische kunst denk je natuurlijk aan Michaël Borremans en Jan Van Imschoot, door de enigmatische uitstraling en de duistere sensualiteit waarmee de positie van de mensin de maatschappij wordt afgetast. Anderzijds, en dat is minder voor de hand liggend, zit er een zekere schraalheid, bleekheid en afstandelijkheid in die herinneren aan Luc Tuymans. “Ik heb de opgang van Luc Tuymans meegemaakt, en dat zal hoogstwaarschijnlijk sporen nalaten”, zegt ze. “Ik voel me trouwens heel goed in die Vlaamse biotoop van de schilderkunst. Hij staat dicht bij mijn wereld. Ik voel dat mijn werk ergens meegaat in die stroom”.

Christine Vuegen

THE POTENTIAL OF PAINTING

The importance of the incubation time should not be underestimated. After a search in the workshop, Stéphanie Leblon came forward for the first time in 2006 with figurative paintings. She becomes more and more proficient in a very personal way. She usually does not paint anything but heads or hands, but mostly against a background that is in the territory between a void and a suggestion of space, a vague place. Add an unreal situation to it that is, however, immediately recognizable and that evokes familiar emotions, a use of colour that, despite the lightness, has dark undercurrents and a sensuality that simultaneously keeps a sober distance, and you get a psychological charge that will touch everyone. The work leans towards surrealism, the strangeness and mysteriousness that you also find in paintings by old masters, because one does not know the symbolism and who the person who is being painted is. Yet, they do disclose something about the condition of man.

Something similar causes an ‘in-between’; a face with a mask against a green watery background. The colouring is never extravagant, but intuitively bizarre tones are added to it. This looks like a hospital green that must give a restfulness and cause a bitter feeling. The face appears to be from a newspaper photo: a football player with a mask that has been pushed up that should probably protect his broken nose. It is a stark painting that has been put into a series that has the paranormal as a base. How did she end up at the paranormal? “Via a television program about a haunted house with the residents, a medium, a sceptic and a researcher with measuring devices,” she says. “They got together week after week. I found the researcher the most fascinating character because he wanted to grasp something which is by definition not to be proven. I then painted figures with eyes closed and with charts or instruments that prove a bit of everything, but it is impossible to grasp. It is as if you want to prove the sublime moment in a painting, when it is the right moment. It is there or it is not. The painting is also one great mystery. "

Paranormal phenomena are a suitable metaphor for painting. They rise above paint and canvas and make contact with other worlds, which almost have something supernatural. “This is how I actually see it”, the artist affirms. “As a painter, you create a complete environment to make a painting that transcends itself, a good painting that is a whole in terms of theme, content and appearance. For me the paranormal was a reason, a starting point. My work is more about searching, groping in the dark, searching as a human being and the doubts. When I paint people, it is about the mental activity. They are thinking about something or going through something. Actually, they are always searchers.’ The hand can just as easily be a thinking tool. You feel the concentration in paintings of hands. They are disconnected from the body and perform extremely precise, undefined operations. Searching for the most precise formulation, she says: “The mental process is important to me, but the physical process of painting is equally important. Both my mind and my hand must be in the right concentration.”

 

The ritual character can be found back in a great deal of the work, whether the image is coming from a carnival or the hands of a surgeon. Per series, new tracks of thought are explored. Thus, clusters of paintings originate which can flow into one another and simultaneously stand alone. The most recent series revolves around rituals. It may be a student initiation or a Masonic ritual. The blindfold, the rolled-up pants’ leg, the open shirt and the noose around the neck refer to the initiation of a freemason. The man is ready to join, while he is trapped by means of the legs tangled in a structure of ropes. The painting is called ‘The treatable reality’" although it seems a pretty intractable situation. Is that not a pessimistic view?

“Not at all”, laughs Stéphanie Leblon. “It is just a realistic vision. People make structures that you can move from one compartment to another. You walk further, but you still remain attached to your own body, to who you are. You remain intertwined with your own past. That is not negative, far from it. It is just fascinating to discover yourself each time in a new situation and continue from there again. My works do originate from series, but it is not a big turnaround. I develop a train of thought for myself each time that fits with what I want to convey and to whom I am. I am playing again in my studio. I simply let things happen. It is not a compulsive series. I like to add something that makes the boat tilt a little bit.”

Thus she has made ‘Plastic Boy’, a very recent painting, part of the rituals. It is a boy with plastic bags around his head, just before a plaster cast is made. Not that you immediately recognize plastic bags in it. The pose and hat are reminiscent of ancient portraits of ‘The Kitchen Maid’ by Vermeer. To which the artist reveals that she wants to go to Paris in the near future to study the portraiture by Giotto, a study where she wants to embrace and process the link with art history in a more conscious manner. She has top three artists in contemporary art. She always looks back at Martin Kippenberger, René Daniels and Philip Guston, in order to relish the freedom that they afford themselves in painting. If you need to place her work in the Belgian art milieu, you naturally think of Michaël Borremans and Jan Van Imschoot, by the enigmatic character and the dark sensuality in which the position of the people in society is explored. On the other hand, which is less obvious, there is some soreness, pallor and aloofness in it that is reminiscent of Luc Tuymans. “I have experienced the rising of Luc Tuymans and that will probably leave traces”, she says. “As a matter of fact, I feel very much at home in the Flemish painting biotope. It is close to my world. I feel that somewhere my work goes with the flow.”
 

 

Christine Vuegen

POTENTIEL DE LA PEINTURE

L'importance de la phase de réflexion et de maturation n'est pas à sous-estimer. Après une période de recherche en atelier, Stéphanie Leblon expose pour la première fois en 2006 des peintures figuratives. Elle monte ensuite progressivement en régime, à sa façon très particulière. Généralement, elle se contente de peindre des têtes ou des mains, le plus souvent sur un arrière-plan qui louvoie entre une idée du vide et une suggestion de l'espace, mais en tout cas, un lieu confus, vague, indéterminé. Ajoutez-y une situation irréelle qui est cependant directement identifiable et suscite des émotions tangibles, une palette de couleurs dans laquelle, malgré la légèreté, transperce des courants sombres, et une sensualité qui prend soin de laisser une sobre distance, et vous obtiendrez une toile dont la présence psychologique ne laissera personne indifférent. L'oeuvre de Leblon converge dans la direction du surréalisme, du mystère et de l'énigme que l'on retrouve également dans les peintures des maîtres anciens, parce que l'on n'en connaît plus la symbolique ni les personnes représentées. Pourtant, elle relate une histoire sur la condition humaine.

 

Dans la même mouvance figure 'in-between', un visage masqué sur un arrière-plan vert aqueux. Les couleurs ne sont jamais extravagantes mais des tons bizarres y sont ajoutés de façon intuitive. Cela évoque le fameux "vert hôpital" censé apporter la quiétude, mais qui suscite une impression d'amertume. Le visage semble provenir d'une photo de journal : un footballeur avec un masque relevé, sans doute destiné à lui protéger le nez cassé. C'est une peinture déconcertante qui s'inscrit dans une série suscitée par le paranormal. Comment Stéphanie Leblon en est-elle arrivée à se tourner vers le monde parapsychique ? "C'est à cause d'un programme que j'ai vu à la télévision, sur une maison hantée avec ses habitants, un médium, un sceptique et un chercheur équipé de divers appareils de mesure", explique-t-elle. "Ils se réunissaient chaque semaine. Je trouvais que le personnage du scientifique était le plus captivant, car il s'efforçait de déceler et de spécifier ce qui, par définition, ne peut de toute façon pas être prouvé. J'ai peint ces personnages avec les yeux fermés et des graphiques ou des instruments qui veulent démontrer un peu n'importe quoi, mais qui en sont bien incapables. C'est un peu comme si l'on essayait de prouver le "moment sublime" d'une peinture, ce qu'il est ou n'est pas. Eh bien, la peinture, à mes yeux, est également un grand mystère."

 

Les phénomènes paranormaux sont une métaphore parfaitement adaptée à la peinture. Elle dépasse le stade de la toile et des couleurs et entre en contact avec d'autres mondes, comme un élément presque surnaturel. "C'est effectivement ainsi que je la conçois", reconnaît l'artiste. "En tant que peintre, on crée un environnement complet pour réaliser une toile qui se surpasse, dont le thème, le contenu et l'apparence sont parfaitement harmonisés. Pour moi, le paranormal était une opportunité, un point de départ. Mon travail va plus loin que la recherche, les doutes, le tâtonnement dans l'obscurité. Lorsque je peins des gens, il s'agit d'une activité mentale. Ils pensent à quelque chose, ils cogitent. En fait, ils sont tous des chercheurs, à leur façon."

Une simple main peut elle aussi devenir un instrument de recherche. On ressent la concentration en peignant des mains. Elles sont dissociées du corps et exécutent des opérations très précises. Cherchant la formulation la plus adaptée possible, Stéphanie Leblon poursuit : "Le processus mental est important pour moi, autant que le processus physique de la peinture. L'esprit et la main doivent trouver la concentration adéquate."

 

Le caractère rituel se retrouve dans une grande partie de l'oeuvre de Stéphanie Leblon, qu'il s'agisse d'une image de carnaval ou de mains d'un chirurgien. De nouvelles pistes de réflexion sont explorées pour chacune des séries. Ainsi se forment des regroupements de peintures qui sont autonomes mais peuvent tout autant s'associer. Le récit de la série la plus récente est consacré aux rituels, estudiantins ou franc-maçonniques. Le bandeau, la jambe de pantalon enroulée, la chemise ouverte et la corde autour du cou font référence au rite initiatique d'un franc-maçon. L'homme est prêt à y adhérer mais ses jambes s’empêtrent dans une structure de cordes. La peinture s'appelle "La réalité contrôlable" ('De behandelbare werkelijkheid'), alors que la situation semble au contraire inextricable. Ne serait-ce pas une vision pessimiste ? "Pas du tout", sourit Stéphanie. "C'est tout simplement une vision réaliste. Les gens créent des structures dans lesquelles on passe d'un élément à l'autre. On avance, on progresse, cependant, on reste indissociable de son propre corps, de celui que l'on est. On est étroitement chevillé à son propre passé. Notez que ce n'est pas négatif, bien au contraire. C'est justement captivant de se redécouvrir chaque fois soi-même dans une nouvelle situation, et de là, repartir vers l'avant. Mes peintures naissent à partir de séries, mais ne sont pas de grandes volte-face. Chaque fois, je développe pour moi-même un raisonnement cadrant parfaitement avec ce que je veux transmettre, et avec la personne que je suis. En fait, dans mon atelier, je m'amuse. Les choses viennent d’elles-mêmes. Ce n'est pas un travail imposé, c'est une petite pierre que j'ajoute à l'édifice."

 

Stéphanie Leblon a rangé 'Plastic Boy', l'une de ses toiles les plus récentes, dans la série des rituels. C'est un jeune avec des sacs en plastique autour de la tête, qui rappelle le procédé de moules de masque en plâtre. Non pas que l'on reconnaisse directement les sacs en plastique. La pose et le couvre-chef font plutôt référence à des portraits de l'art ancien, par exemple la Laitière de Vermeer. L'artiste réplique qu'elle compte se rendre à Paris dans un avenir relativement proche afin d'étudier l'art du portrait de Giotto. Cette étude lui permettra de mieux appréhender le lien avec l'histoire de l'art, de mieux l'exploiter. Dans l'art contemporain, ses trois artistes préférés sont toujours Martin Kippenberger, René Daniels et Philip Guston, mais elle se délecte de la liberté que lui accorde la peinture. Si l'on cherche des références dans l'art belge, on songe instinctivement à Michaël Borremans et Jan Van Imschoot, par l'aspect énigmatique et la sensualité sombre par lesquels on essaie de délimiter la position de l'homme dans l'humanité. Mais d'un autre côté, on peut déceler une facette moins évidente : une certaine stérilité, une pâleur, une distance qui n'est pas sans rappeler Luc Tuymans. "J'ai assisté à son ascension, et cela laissera certainement des traces", confesse-t-elle. "Je me sens d'ailleurs très bien dans le biotope de la peinture en Belgique néerlandophone. Il est proche de mon monde. Je sens que mon oeuvre s'inscrit dans ce courant".